Сын художника, от которого унаследовал способности к живописи. Первоначальное музыкальное образование получил у матери, преподавательницы фортепьянной игры. В 1836 году поступил в Парижскую консерваторию, где учился у А. Рейха, привившего ему интерес к немецкой музыке, а также у Галеви, Ф. Паэра, Ф. Лесюэра. В 1839 году Гуно получил Римскую премию за кантату "Фернан". В Италии Гуно усердно изучал старинную культовую музыку, в частности произведения Палестрины.
По возвращении в Париж Гуно получил место органиста в церкви Иностранных миссионеров. Увлечение религией вызывает мысли о реформе церковной музыки. Однако изучение творчества Берлиоза и Шумана, все более определяющийся интерес к музыкальному театру привели Гуно к сочинению оперы "Сафо" (пост. 1851), заглавная роль в которой предназначалась для Полины Виардо-Гарсиа. Несмотря на неровности, в опере отчетливо проявилось стремление к яркости эмоционального выражения, к мелодической широте. В следующем году были написаны строгие и выдержанные по колориту хоры к трагедии Понсара "Улисс". В 1852 году Гуно принял на себя обязанности дирижера хорового объединения "Орфеон", во главе которого оставался до 1860 года.
Замысел оперы "Иван Грозный" (на текст, использованный позднее Жоржем Бизе) остался нереализованным.
Опера Гуно "Кровавая монахиня" на либретто Э. Скриба (пост. 1854) не имела успеха.
Комическая опера "Лекарь поневоле" по Мольеру (пост. 185 - первая большая удача Гуно в оперном жанре.
Однако только законченный в 1858 году "Фауст" (либретто М. Карре и Ж. Борбье по Гете; пост. в 1859 году на сцене "Лирического театра" в Париже) явился произведением, в котором композитор нашел свой стиль. В "Фаусте" Гуно отказался от масштабности идей и философской значительности первоисточника и ограничил свою задачу раскрытием личной драмы. Эта установка не только отвечала индивидуальным склонностям композитора, но и отображала общую тенденцию французского оперного искусства периода кризиса романтизма. Для формирующегося направления лирической оперы "Фауст" Шарля Гуно оказался образцом жанра. Изящный и тонко очерченный образ героини, поставленный в центр внимания, умелая и точная драматургия, мелодическая привлекательность музыки, в которой использованы элементы городского фольклора - романса, вальса, стройность и завершенность форм, стилистическая цельность обеспечили опере Гуно ее длительную популярность и выдвинули автора в первые ряды оперных композиторов Франции 19 века. Все же "Фауст" не сразу нашел благоприятный прием. Только в 1869 году он был поставлен на сцене "Гранд-Опера"; для этой постановки пришлось заменить диалоги речитативами и написать целый балетный акт - "Вальпургиева ночь".
Найденные в "Фаусте" естественность в выражении чувств, свежесть мелодического языка отличают и некоторые последующие оперы композитора, как, например, "Мирейль" (по поэтичной легенде Мистраля, пост. 1864) и "Ромео и Джульетта" (пост. 1867). За музыку, написанную "не из предвзятых теорий", а по "непосредственному велению чувства", очень любил "Фауста" и "Ромео и Джульетту" Чайковский.
Очень значительна роль Гуно в развитии французского романса, одним из создателей которого он является. Гуно освободил французский романс от влияния форм комической оперы и насытил его мелодику элементами популярной городской бытовой музыки, иногда, правда, несколько салонного склада.
Известен, прежде всего, своими концептуальными литографиями, гравюрамина дереве и металле, в которых он мастерски исследовал пластические аспекты понятий бесконечности и симметрии, а также особенности психологического восприятия сложных трёхмерных объектов, самый яркий представитель имп-арта.
Эшер совершенно сознательно выбрал карьеру гравёра, а не художника (маслом).
По мнению исследователя его творчества Ханса Лохера, Эшера привлекала возможность получения множества оттисков, которую предоставляли графические техники, так как его уже в раннем возрасте интересовала возможность повторения образов.
Одним из самых выдающихся аспектов творчества Эшера является изображение «метаморфоз», фигурирующих в разных формах во множестве работ.
Художник подробно исследует постепенность перехода от одной геометрической фигуры к другой, посредством незначительных изменений в очертаниях.
Кроме того, Эшер неоднократно рисовал метаморфозы, происходящие с живыми существами (птицы превращаются у него в рыб и проч.) и даже «одушевлял» в ходе метаморфоз неодушевлённые предметы, превращая их в живых существ.
Эшер создал 448 литографий, гравюр и гравюр по дереву и более 2000 рисунков и набросков.
Его творчество продолжает впечатлять и удивлять миллионы людей по всему миру.
В последние годы жизни Эшера подводит здоровье и он практически не работает. Он переносит множество операций и в конце концов умирает в госпитале от рака кишечника.
Эшер оставил после себя свои чудесные литографии, картины, рисунки и трех сыновей.
- полное собрания работ, отсортированных по годам создания (1916-1969).
С 1907 года Морис учится плотницкому делу и игре на пианино, обучается в средней школе. Оценки по всем предметам у Мориса были плохими за исключением рисования. Учитель рисования заметил талант у мальчика и научил его делать гравюры по дереву.
В 1916 году Эшер выполняет свою первую графическую работу, гравюру на фиолетовом линолеуме - портрет своего отца Г. А. Эшера.
[START] [/START][START] [/START][START]Он посещает мастерскую художника Герта Стигемана, имевшего печатный станок. На этом станке были отпечатаны первые гравюры Эшера.[/START]
В 1918-1919 годах Эшер посещает Технический колледж в голландском городке Дельфт.
Он получает отсрочку от службы в армии для продолжения учебы, но из-за плохого здоровья Морис не справился с учебным планом, и был отчислен. В результате, он так и не получил высшего образования.
Он учится в Школе архитектуры и орнамента в городе Гаарлеме, Там он берет уроки рисования у Самюэля Джесерена де Месквита, оказавшего формирующее влияние на жизнь и творчество Эшера. -
В 1988 г. появилась версия MS-DOS 4.0, для которой фирма Microsoft разработала собственную оболочку SHELL (в версии 4.01 был разработан русифицированный вариант оболочки). Кроме этого, в версию 4.01 включена поддержка разделов на жестких дисках, превышающих 32 Мбайт, средства эмуляции дополнительной памяти, а также ряд новых команд (APPEND, MEM, TRUNAME).
Вот сейчас я ничего не понимаю тоже. Удалили мой сигнал вместе с веткой. А зачем вернули ветку?
Меры приняты. Спасибо тому, кто отреагировал на моё сообщение о ЧП.
Может для подобных происшествий разместить сигнальную кнопку?
17 июня 1691 года родился Джованни Паоло Панини (17 июня 1691, Пьяченца — 21 октября 1765, Рим) — итальянский художник и зодчий, известный своими работами в жанре городского пейзажа — «ведуты» (с итал.?—?«виденная»)
Итальянский живописец эпохи рококо, мастер пейзажа-ведуты. Родился в Пьяченце около 1692 года. В середине 10-х годов 18 века Панини переехал в Рим, где античные руины вдохновили его на создание исторических композиций, сцен из современной ему жизни и воображаемых видов реальных построек, находящихся в разных частях города, но собранных вместе, как на представленной здесь картине «Римская фантазия». Джованни Панини был первым художником, специализировавшимся на подобного рода видах, и его многочисленные работы имели огромный успех у туристов, равный, в каком-то смысле, видам Венеции, написанным Каналетто, стиль которого был первоначально близок манере Панини.
Известность получил своими росписями на вилле Патрици (закончены в 1725) и декорациями для праздника в честь рождения дофина (1729, Лувр, Париж; 1731, Дублин). Женитьба на сестре французского художника Флейгельса, покровительство кардинала Полиньяка и связь с Французской академией в Париже, членом которой он был избран в 1723, связали его с французскими художественными кругами.
В 1755 году избран президентом Академии св. Луки в Риме. Джованни Паоло Панини — один из родоначальников архитектурного или руинного пейзажа. Свои архитектурные виды, интерьеры («Интерьер церкви Сан Джовани ин Латерано», Музей изобразительных искусств, Москва); руины («Руины», Эрмитаж, Санкт-Петербург и Музей изобразительных искусств, Москва) художник населял маленькими человеческими фигурками, обыгрывая излюбленную тему 18 столетия — сопоставление величия древнего прошлого и тривиальности настоящего.
Быстрая и легкая кисть художника, декоративная красота колорита, остроумие в выборе сюжетов способствовали популярности живописи Джованни Паоло Панини, вызвавшей поток многочисленных подражаний его темам и манере. Влияние Панини испытали Пиранези, Каналетто, Белотто, Франческо Гварди и французские мастера пейзажа-ведуты.